Séminaire « Le primitif : la mythologie de l’originaire dans les arts – XIXe-XXe siècles » (le 9 décembre)

La prochaine séance du séminaire CEPA « Le primitif : La mythologie de l’originaire dans les arts – XIXe-XXe siècles », organisé par Pauline Nadrigny, aura lieu sous la forme d’une demi-journée d’études. Elle accueillera trois communications, entre esthétique et histoire de l’art :

Samedi 9 décembre, de 9h30 à 12h30
Université Paris I Panthéon-Sorbonne
UFR de philosophie, salle Lalande
Escalier C, 1er étage
17, rue de la Sorbonne
75 005 Paris
Hugues-Antoine Naïk (Paris 1 – PhiCo/CEPA) :
« Innocence et cruauté : le primitif selon John Ruskin à la croisée des chemins de l’art »
Maureen Murphy (Paris 1 – HiCSA – IUF) :
« Le primitivisme de dada envisagé sous l’angle des théories du genre, et des études post coloniales »
Pauline Nadrigny (Paris 1 – PhiCo/CEPA) :
« Formes et forces : Sur Negerplastik de Carl Einstein »

Argumentaire du séminaire

De qui est-on le primitif, par rapport à quelle tradition s’inscrit-on dans un rapport au « premier », à une origine ou un commencement ? Ce terme est-il une catégorie esthétique ou une classification historique ? Une certaine mythologie se donne à lire dans le discours des avant-gardes plastiques et musicales. De la figure cézanienne au désir, exprimé par Russolo ou John Cage, d’un retour au son, en passant par le rapport complexe des avant-gardes aux arts dits aujourd’hui premiers, c’est peut-être le même type de geste qui se révèle : retour à un stade primitif du geste et du regard, qui se tiendrait sous la cristallisation des pratiques, des regards ou des écoutes en des formes historiques, retour à la materia prima, ou à l’élémentaire… Mythologie, cependant, car il existe deux visages du primitivisme, certainement indissociables : l’un, culturel, qui engage les formes et les pratiques de civilisations extra-européennes ou d’un occident oublié – le primitivisme comme archaïsme ; l’autre, proprement plastique ou sonore, ce « sauvage » que Dufrenne discernait notamment dans la musique expérimentale. Mythologie : car ce désir de retour est toujours, aussi, une invention – pour rencontrer son objet, l’artiste le construit en des fictions qu’il s’agit de repérer et d’interpréter, des Nazaréens à Stravinski, de Gauguin à l’imaginaire du jazz, de Rothko au rôle du cri dans les musiques extrêmes…

L’appel à une expérience esthétique première, originaire, par la médiation de formes artistiques fantasmées, car pensées elles-mêmes comme « premières », dessine-t-il une trajectoire commune aux avant-gardes artistiques ? Cette analogie est séduisante. Mais, dans cette mesure même, elle doit être réellement sondée, mise à l’épreuve, dans le cadre d’une réflexion transversale, entre esthétique générale, anthropologie culturelle et histoire des arts. Dans le cadre d’un tel dialogue, l’enjeu de ce séminaire est d’envisager plusieurs questions : celle des fondements du primitivisme en amont des avant-gardes, notamment dans les concepts du romantisme ; celle de la comparaison entre les usages du primitif d’un art à l’autre et des torsions que ces changements impriment à cette recherche ; celle du rapport entre une approche purement esthétique du primitif (question de la forme sensible, de la donation, du sauvage dans la perception, du bruit) et une approche historique, voire mythologique (archaïsme, donc, mais aussi appréhension occidentale des musiques extra-européennes).

Avec la participation de Danièle Cohn, Philippe Dagen, Sébastien Allard, Danielle Cohen-Levinas, Frédéric Fruteau de Laclos, Maureen Murphy, Catherine Guesde, Clément Bresch, Hugues-Antoine Naïk, Margaux Thura…

Hugues-Antoine Naïk est ancien élève de l’ENS et doctorant en philosophie à Paris 1 sous la direction de Danièle Cohn. Il s’intéresse en particulier à la réflexion esthétique des romantismes anglais et allemand ainsi qu’aux théories architecturales du 19e siècle. Sa thèse porte sur l’organicisme et l’esthétique de la créativité dans les écrits sur l’architecture de Ruskin.

Maureen Murphy est Maître de conférences en histoire de l’art contemporain à Paris 1, membre de l’institut universitaire de France. Ses recherches portent sur l’histoire de la circulation des arts de l’Afrique en Europe, sur la mondialisation de la scène de l’art contemporain, ainsi que sur l’histoire du primitivisme.
Elle est l’auteur de De l’imaginaire au musée (Presses du réel, 2009) et prépare une thèse d’habilitation sur l’art moderne africain à l’heure de la mondialisation.

Pauline Nadrigny est Maître de conférences en philosophie (esthétique) à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Elle est membre du CEPA (Culture, Esthétique, Philosophie de l’Art) au sein du centre de Philosophie contemporaine de la Sorbonne (UMR 8103 – ISJPS). Ses recherches portent sur l’esthétique musicale, spécifiquement sur les musiques contemporaines et les arts sonores. Elle est l’auteur de Musique et Philosophie au XXème siècle, Entendre et faire entendre (Classiques Garnier, coll. « Philosophies contemporaines », 2015) et de nombreux articles sur la perception musicale, le concept de paysage sonore et les sound studies.

Colloque « Art et camouflage », les 14 et 15 décembre 2017, Ecole des Beaux-Arts de Paris

Le colloque « Art et camouflage », organisé en partenariat avec le séminaire « Spatialisation de la mémoire » du CEPA, se tiendra les 14 et 15 décembre prochains à l’Ecole nationale supérieure des Beaux Arts de Paris.

 

Colloque
Art & Camouflage
les 14 et 15 décembre 2017
Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris
Amphithéâtre des Loges

 

Ce colloque est proposé par Patrice Alexandre, artiste, ancien enseignant aux Beaux-Arts de Paris, Jean Yves Jouannais, critique d’art, essayiste, enseignant (Beaux-arts de Paris), Alexandre Lafon, historien, conseiller à la Mission du centenaire de la Première Guerre mondiale, Patricia Ribault, enseignante (Beaux-arts de Paris, Humboldt Universität Berlin) et Didier Semin, enseignant, (Beaux-arts de Paris), en collaboration avec le séminaire « Spatialisation de la mémoire » de l’Université Paris 1-Panthéon Sorbonne.

Avec le soutien de la Mission du centenaire 14-18, de la Première Guerre mondiale.

Programme

Les résumés des interventions ainsi qu’un programme plus détaillé sont disponibles ici.

Jeudi 14 décembre

Matin
9h30 Ouverture Patrice Alexandre en présence de Jean-Marc Bustamante, directeur des Beaux-Arts de Paris et de Danièle Cohn, qui présidera le colloque.
10h Gilles Aubagnac – Le guerrier et son éternel dilemme : visibilité ou efficacité ?
10h45 Cécile Coutin – Tromper l’ennemi. L’invention du camouflage moderne en 1914-1918
11h30 Stéphane Audouin-Rouzeau

Après-midi
14h 30 Wolgang Schaeffner -« La bonne peinture tombe du ciel »
15h15 Patricia Ribault – De la forme à l’informe : la stratégie du poulpe
16 h Pierre Bergougnioux
16h45 Didier Semin – Camoufler, à quoi bon ?
17h30 Michel Aubry

Vendredi 15 décembre

Matin
10h Hanna Rose Shell – Ni vu ni connu
10h45 Patrice Alexandre – De l’école des Beaux-Arts de Paris au camouflage sur le terrain de la Grande Guerre
11h Jean-Yves Jouannais – MOAB
11h45 Victoire Thierrée

Argumentaire
Dans Autobiographie d’Alice Toklas, paru en 1933, Gertrude Stein raconte une anecdote restée célèbre : en 1914, Picasso, voyant, boulevard Raspail à Paris, un canon recouvert de motifs zébrés noirs, kaki et ocre, en partance pour le front, se serait écrié « c’est nous qui avons fait ça ! ». « Nous », c’est-à dire, bien entendu, les cubistes. L’affirmation n’était pas absurde. Guirand de Scevola, un portraitiste qui a créé dans l’armée française, au début de la Première Guerre mondiale, les « sections de camouflage», a dit s’être inspiré des formes brisées de la peinture cubiste pour concevoir les premiers motifs destinés à dissimuler sur les champs de bataille combattants et matériels. L’arme essentiellement défensive qu’était le camouflage, qui a sauvé beaucoup de vies, a donc été inventée par des artistes, il y a un siècle. Parmi eux, des professeurs et de nombreux étudiants de l’École des Beaux-Arts. L’École souhaite, dans le cadre des commémorations du centenaire de la Première Guerre, leur rendre hommage, au travers d’un colloque qui retracerait bien entendu leur histoire, mais, au-delà, mettrait en évidence les liens complexes, surprenants, ignorés souvent, qui unissent le jeu avec les leurres et les simulacres, propre aux artistes, aux réflexions stratégiques et tactiques — loin des clichés ressassés, fascination naïve et odieuse pour la guerre chez les Futuristes, ou pacifisme inconditionnel de la bohème artistique. Zeuxis et Parrhasios ont peut-être bien été les premiers « camoufleurs » (c’est le nom que l’on donnait aux soldats chargés de peindre le matériel de guerre pour le dissimuler — on disait aussi « caméléons ») !
Avec la participation de : Gilles Aubagnac, colonel, conservateur (Musée de l’air et de l’espace du Bourget), Michel Aubry, artiste, enseignant (Beaux-Arts de Nantes), Stéphane Audoin-Rouzeau, historien (EHESS, président de l’Historial de Péronne), Pierre Bergounioux, écrivain, Danièle Cohn, philosophe, professeur (Paris I-Panthéon Sorbonne), Cécile Coutin, historienne du camouflage, conservatrice en chef honoraire du Patrimoine), Alexandre Lafon, historien (Commission du Centenaire), Hanna Rose Shell, professeur associé, (Massachusets Institute of Technology), Wolfgang Schaeffner, historien, professeur (Humboldt Universität, Berlin), et Victoire Thierrée, artiste, diplômée des Beaux-Arts de Paris.

Beaux-arts de Paris
14, rue Bonaparte – 75006 Paris
Tél. : 01 47 03 50 00
www.beauxartsparis.fr

Discussion avec le Stéphane Ginsburgh (le 7 avril 2017)

Dans le cadre de la préparation à l’agrégation et du cours de L3 sur l’activité artistique, le CEPA a le plaisir de recevoir :

le pianiste Stéphane Ginsburgh
le 7 avril 2017 de 15h à 17h
en salle Halbwachs (UFR 10)

autour d’une discussion libre sur le statut de l’interprète en musique contemporaine. Le nombre de places étant limité, seront privilégiés les étudiants des deux groupes concernés.

Danièle Cohn et Pauline Nadrigny : « l’esthétique, tout simplement » (mercredi 10 mai 2017)

Danièle Cohn et Pauline Nadrigny (CEPA) prendront part, avec Jacques-Olivier Bégot, à la soirée-débat autour du dossier « L’esthétique, tout simplement » et du cahier 80-2 des Archives de philosophie :

« L’esthétique, tout simplement »
mercredi 10 mai 2017 de 19h30 à 21h30
Centre Sèvres
35 bis rue de Sèvres
75 006 Paris

Ni à la marge de la philosophie, ni une discipline dans la philosophie, ni la partie ou l’élément d’un système de la philosophie, mais installée au cœur de la réflexion philosophique quand celle-ci ne se dérobe ou ne se refuse pas aux effets de vie sur la sensibilité, quand elle leur accorde toute leur place et consent à une part indéchiffrable, inassignable du fait esthétique : telle est l’esthétique, tout simplement, en son caractère « auroral ».

Avec la participation de
Danièle COHN, Professeur à l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne
Pauline NADRIGNY, Maître de conférences à l’Université Paris I Panthéon-Sorbonne
Jacques-Olivier BÉGOT, Maître de conférences à l’Université Diderot-Paris VII

En savoir plus…

Danièle Cohn au séminaire de Studio XIX (mercredi 22 mars)

Danièle Cohn, Professeur en esthétique à l’Université Paris 1 Panthéon Sorbonne et responsable du CEPA, interviendra dans le cadre du séminaire du groupe de recherches Studio XIX :

Catégories esthétiques et classifications au musée : le cas du musée du Louvre
Danièle Cohn, Professeur d’esthétique à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne et  Sébastien Allard, Directeur du département des peintures du musée du Louvre
Mercredi 22 mars à 18h
INHA, Galerie Colbert,
Salle Walter Benjamin

 

Catégories esthétiques et classifications au musée : le cas du musée du Louvre

Au cœur du display of art et des interrogations sur la scénographie, l’accrochage au musée devient un enjeu majeur dans l’histoire des arts et l’esthétique, à la croisée des chemins entre voie naturaliste et voie culturaliste. Cette pratique à la fois met en place une rhétorique du voir, et repose sur elle. Elle conditionne l’expérience des œuvres dont dépendent les visiteurs. L’accrochage est certes marqué par le renouvellement que les neurosciences ont opéré dans l’approche de la vision et de l’orientation dans l’espace. Mais il est aussi historique de part en part et son histoire croise et vivifie celle des collections privées et des musées, de leurs architectures comme du marché de l’art. Deux notions clé en esthétique et histoire de l’art nous guideront : la notion de catégorie et celle de classification, en prenant en compte la dimension pratique et empirique de part en part historique de ces deux notions à travers l’analyse de l’emploi qu’en fait le musée.

 

Séminaire « Le primitif : les arts et la mythologie de l’originaire – XIXè-XXè siècles » : Frédéric Fruteau de Laclos(le 1er mars)

Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne
Institut des sciences juridique et philosophique de la Sorbonne (UMR8103)
Centre de philosophie contemporaine de la Sorbonne (PhiCo)
Axe Culture, Esthétique, Philosophie de l’Art (CEPA)

La prochaine séance du séminaire « Le primitif : les arts et la mythologie de l’originaire – XIXè-XXè siècles » (organisé par Pauline Nadrigny) (PhiCo/CEPA) sera animée par :

Frédéric Fruteau de Laclos (CHSPM)

 »Participer pour instaurer ? L’originaire et les promesses de la création. »

Mercredi 1er mars – 17h30-19h
Salle 101, Centre Michelet,
3 rue Michelet 
75006 Paris
Frédéric Fruteau de Laclos (CHSPM)
« Participer pour instaurer ? L’originaire et les promesses de la création. »

Dans la création artistique, mais aussi bien dans la moindre perception, joue un certain rapport de participation. Créations et perceptions sont de l’ordre du développement ou de l’explication en surface de ce qui se joue pour chacun en profondeur, que cette surface soit celle de la toile, de la page d’abord blanche, ou qu’elle équivaille au plan des existences en apparence les plus communes.
Chez les supposés primitifs existe ce rapport au fond, mais ce fond, chez eux comme chez nous, ne se déploie jamais librement en surface, sous la forme de l’informe (si on peut dire) ; il est toujours formé, les formes en question étant redevables d’une histoire aussi bien sociale, naturelle, qu’eidétique – d’une histoire des formes considérées dans le cours « interne » de leur évolution, des formes enchaînant sur des formes. Autrement dit, la contribution des « autres » à l’histoire des instaurations ne réside pas dans la fraîcheur, la simplicité, ou bien encore la brutalité, de leur participation à la nature, don à l’humanité d’autant plus précieux que nous, modernes, nous serions perdus à force de sophistication formelle. La symétrisation doit au contraire conduire à la reconnaissance, d’une part du fond chez nous, quand bien même nous apparaîtrions superficiels à nos propres yeux ; d’autre part, de la forme ou des formes chez les autres : nous ne devons pas prendre notre incapacité à identifier les formes instaurées par eux pour une absence de création formelle.
Il s’agira dès lors de revenir sur l’ensemble des procédures de disqualification qui sont à l’œuvre lorsqu’on décrit l’art et la mentalité des « Primitifs » en termes de « participation ». Par-delà ces disqualifications anthropologiques, on insistera sur le renversement qui a lieu dès lors qu’on assume un sens positif de la participation, pour nous-mêmes comme pour les autres. Les enjeux ici relèvent indissolublement de la psychologie génétique et de la théorie de l’art. Car on s’emploiera à réunir les deux sens de l’esthétique, en refusant de dissocier la théorie de la sensibilité et la réflexion sur la création artistique. S’il faut dire que les artistes sont particulièrement sensibles à ce qu’ils vivent, on doit corrélativement souligner le pouvoir d’instauration du moindre vivant : notre vie peut être tenue pour notre œuvre.

Reprise du séminaire « Les arts au XVIIème siècle : Naissance de la critique » (le 5/11/2016)

Le séminaire « Les arts au XVIIe siècle », organisé par Catherine Fricheau et Daniel Dauvois, reprendra à partir du 5 novembre 2016. Le thème de cette nouvelle année sera « Naissance de la critique ».
Les arts au XVIIème siècle : Naissance de la critique
Salle Cavaillès de 14h30 à 17h

Le séminaire est consacré à la façon dont se construit de la fin du XVIème siècle au début du XVIIIème siècle une critique des œuvres qui, invalidant peu à peu la formule ut pictura poesis, desserre l’emprise des belles-lettres sur la critique d’art.
Cette autonomisation du « peindre » est, dans un premier temps, d’ordre poiètique, et se veut fondée sur une connaissance des pratiques artistiques, autorisée entre autres par la réédition des grands traités renaissants (Alberti, Vinci). Entre la consécration par Vasari des arte del disegno et l’élaboration académique de la notion de Beaux-arts, on assiste à l’approfondissement du vocabulaire technique des arts. La spécification des savoirs caractérise cette critique, due
non seulement à la différence des métiers de l’art mais aussi des caractères nationaux, en fonction des politiques de cours européennes soucieuses d’élaborer leur propre mode d’expression artistique.
Le point de vue critique suppose un spectateur des oeuvres, dont le statut devient au tournant des XVIIème et XVIIIème siècle celui d’un public averti. Les cartes se trouvent alors rebattues. Le connaisseur laisse la place à l’homme sensible et cosmopolite des Lumières, tandis que se tissent de nouveaux liens des arts avec la littérature.

Programme
5/11 – Daniel Dauvois : La Font Saint-Yenne
3/12 – Catherine Fricheau : Félibien
25/02/17 – Jean -Pierre Cléro : Addison
Hélène Merlin : L’‘Espace Public’ au début du XVIIème siècle
22/04 – Thibault Barrier : Roger de Piles
20/5 – Jacqueline Lichtenstein
27/05 – Bertrand Prévost

Argumentaire
« Un tableau exposé est un livre mis au jour de l’impression ». La Font de Saint-Yenne poursuit en prononçant que chacun a le droit d’en porter son jugement. Ces quelques mots permettent de circonscrire notre champ de réflexion présent : dans quelle mesure la critique picturale doit-elle se revendiquer d’une critique littéraire qui l’a précédée ? Sa position devant les œuvres est-elle d’une semblable nature, et si oui, pourquoi n’apparaît-elle que vers le milieu du XVIIIe siècle ? Dans quelle mesure, en outre, cette apparition peut-elle se revendiquer de constituer un droit ? et que signifie l’universalité d’un tel droit ? Que change ce nouveau droit de juger à la structure des œuvres d’art désormais vouées à un public, dont la définition reste malaisée. Si le critique prétend cependant incarner le public, quelle sera la qualité de son organe de jugement, qui s’appelle sentiment chez La Font de Saint-Yenne ? Comment ce sentiment sera-t-il une spontanéité qui juge toujours bien , a contrario de toute expertise, en même temps qu’un foyer d’autorité apte à guider le jugement de tous et à constituer un goût assuré voire démonstratif ?
La coutume a rendu évidente la fonction de la critique, dont l’origination exprime en revanche toutes les incertitudes et les aspects contestables voire immotivés. C’est donc cette difficile naissance , que les principes de la critique littéraire ont peut-être conduite à quelque fin fonctionnelle, dont il s’agire de réfléchir les diivers aspects, sous une désirable multiplicité des angles d’incidence.

Daniel Dauvois et Catherine Fricheau

Intervention de Danièle Cohn au séminaire « Les nouvelles violences » (le 21 janvier 2016)

Les nouvelles violences : situations, formes, réponses.

L’Institut des Hautes Etudes sur la Justice et l’Institut Universitaire Varenne
ont le plaisir de vous inviter à la séance inaugurale de leur séminaire sur « Les nouvelles violences« . Elle se tiendra le
Jeudi 21 janvier 2016
de 17h à 20h à
la Fondation Varenne,
79 Avenue Raymond Poincaré
75016 Paris

 

Cette séance inaugurale aura pour thème :

Les artistes face aux images de violence :
peinture d’histoire et « sujet » contemporain

Intervenants :
Madame Danièle COHN
Monsieur Stéphane PENCREAC’H

Les auteurs de violences extrêmes font usage d’images. Ces images ne sont pas des morceaux de réel, des témoignages, ce sont des artefacts qu’il s’agit d’analyser comme tels. Comment des artistes contemporains répondent-ils à ces images, qu’en font-ils ? Peut-on aujourd’hui faire de la peinture d’histoire contemporaine ? Le peintre Stéphane Pencréac’h, dont les œuvres sur les printemps arabes ont été exposées à Nice au Musée d’art moderne et d’art contemporain, et à l’Institut du monde arabe à Paris dialoguera avec Danièle Cohn,  sur ce que signifie aujourd’hui peindre des événements actuels, peindre la violence et inventer des formes plastiques pour mieux la penser.

Lieu du séminaire
Fondation Varenne, 79 Avenue Raymond Poincaré, 75016 Paris, 1er étage. La première porte s’ouvre en appuyant sur le bouton. Il y a un interphone pour la seconde.

Entrée libre, après inscription obligatoire auprès de Edouard Jourdain :
ejourdain@ihej.org ou +33 (0)1 40 51 02 51 // +33 (0)6 32 46 67 15

Programme des conférences de Paulo Tunhas, Professeur invité au CEPA

Paulo Tunhas, Professeur à l’Université de Porto, est actuellement Professeur invité du CEPA au Centre de philosophie contemporaine de la Sorbonne.

Il donne les conférences suivantes:

Le 15 novembre, en salle Lalande (10h30-12h30) :
Imagination et mémoire chez Kant : une voie spatialisante (dans le cadre du séminaire de recherches « Spatialisations de la mémoire »)

Le 24 novembre, en salle Cavaillès (16h-18h) :
Le sublime comme esthétique de la raison pratique

Le 25 novembre en salle Cavaillès (16h30-18h30) :
Esthétique, politique, science dans le Cercle de Vienne

Le 29 novembre à l’INHA (2 rue Vivienne, salle Vasari) :
Exemple et existence (dans le cadre de la journée d’études co-organisée par Danièle Cohn(CEPA) et Etienne Jollet (Hicsa) : « Exemple et exemplarité »)

Parution : Danièle Cohn, L’Artiste, le vrai, le juste. Sur l’esthétique des lumières.

Nous avons le plaisir de vous annoncer la parution de l’ouvrage de Danièle Cohn, Professeur des Universités, titulaire de la chaire d’esthétique à l’Université Paris 1 – Panthéon-Sorbonne, et directrice du CEPA :

Danièle Cohn, L’Artiste, le vrai, le juste. Sur l’esthétique des lumières, éditions de la rue d’Ulm, collection « Æsthetica »

L’ouvrage est en librairies depuis le 15 mai, et disponible ici.

Résumé

Ce livre prend position sur les enjeux et les visées des œuvres d’art en matière de vérité et de morale : il répond, par un retour sur l’époque des Lumières, aux questions contemporaines sur l’idée d’un perfectionnement moral de l’individu (S. Cavell, M. Nussbaum, S. Laugier). Les Lumières ont mis au cœur de la création artistique les émotions, les affects et les sentiments, mues par la conviction de l’efficacité d’une éducation esthétique de l’homme, d’une éducation sensible par le sensible, en l’occurrence par les œuvres.
La vérité a-t-elle un sens en matière artistique ? Notre besoin d’art est-il lié à notre conviction qu’elles nous rendent meilleurs et nous font mieux connaître le monde ? L’autonomie de l’œuvre, la liberté du créateur, la dévaluation de tout canon au nom d’un global turn qui contraint au relativisme rendent aujourd’hui difficile cette affirmation. Et la sincérité de l’auteur ne saurait être un argument, tant elle tombe sous le coup d’un soupçon préjudiciel. La critique, elle, pourrait-elle prétendre au vrai ? Mais il y a plusieurs interprétations possibles d’une œuvre, plusieurs interprétations qui touchent juste, au sens où l’on dit d’une voix qu’elle est juste, d’un vêtement qu’il tombe bien.
À partir de quelques études de cas, Danièle Cohn revient sur l’idée d’une fin de l’art (A. Danto) et propose de fonder jugement artistique et jugement esthétique sur la justesse.

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L’auteur

Philosophe Danièle COHN est titulaire de la chaire d’esthétique à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Elle a notamment publié La Lyre d’Orphée. Goethe et l’esthétique (Flammarion, 1999) et Anselm Kiefer. Ateliers (Éditions du Regard, 2012). Elle a édité en français les Écrits d’esthétique de W. Dilthey, Hercule à la croisée des chemins d’E. Panofsky et, de K. Fiedler, Sur l’origine de l’activité esthétique et Aphorismes. Elle dirige la collection « Æsthetica » aux éditions Rue d’Ulm et a été commissaire de l’exposition « De l’Allemagne. De Friedrich à Beckmann 1800-1939 » au Louvre en 2013.

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Sommaire

Introduction

Mode d’emploi

Ch. 1. Un oubli de Kant

Ch. 2. La compassion d’Iphigénie

Ch. 3. Rousseau et le portrait sincère

Ch. 4. La justesse de l’aveu

Ch. 5. Une critique amoureuse

Ch. 6. Une critique à voix juste

Notes

Appel à contributions, Revista de Historia da Arte : « Crisis »

Revista de História da Arte N.12 – Crisis
Edited by Margarida Brito Alves, Giulia Lamoni and Katherine Sirois

 

Call for papers

The next issue of Revista de História da Arte, published by Instituto de História da Arte, will focus on the subject of “Crisis”.

In the last few years, as a kind of muted persistence of developments throughout the 20th century, the term “crisis” has been repeated to exhaustion with regard to a period of instability resulting from an economic collapse, which gives it an inevitably negative and dramatic character.

However, from its origins, the word “crisis” has always related to a judgment, even a diagnosis, thus referring rather to the assessment of a defining time of transition, capable of evolving in different ways.

In its various meanings, the Greek term krisis corresponds somehow to a critical moment, a choice or an action, on the background of intense conflict. A crisis brings about an outcome, it determines a decisive result for an individual or a society. In medical terms, the notion of crisis – originating from the legal sphere – links in with humans and the realities of the body; it refers to a breaking point, a sudden change in the evolution of a disease (J. Pigeaud). In the cultural, artistic and intellectual fields, a crisis involves a challenge, whether by questioning, confronting or rejecting the traditions, conventions and legacies of the past (E. Husserl, H. Arendt, H. Belting). It is a process that can open up new pathways, new methods, new paradigms, new objects. In sum, the notion of crisis inevitably invokes something new, breaking up in a more or less radical fashion with what was previously established. In its more extreme form, a crisis corresponds to a passage marked by turbulence, tension and disorganization, at times convulsed and anxiety-inducing. It evokes transition periods which demand urgent action and a sense of responsibility, so they can reach their end in their move forward towards the unknown, the new, the unprecedented. A crisis thus coincides with a time of effervescence and great creative vitality capable of giving rise to foundational acts.

As a turning point, a crisis can therefore be linked to the notion of rupture, but it can equally affirm dynamic productive forces, thus constituting an opportunity, or a challenge, to create and define a new paradigm.

Notwithstanding various recent initiatives aiming at problematizing the notion of “crisis” over a wide range of areas, we propose to reflect on it in the field of the History of Art, here necessarily understood in its interaction with the broader ground of the Social Sciences.

For Art History, the notion of “crisis” can indeed be a fertile one, as it can be reflected upon across the board: from Antiquity to Contemporaneity, the History of Art can be seen as a set of narratives linked to various critical processes. As such, a crisis ceases to be an “exceptional condition” to become a recurrence, even a “state of normality” stretching indefinitely in time (G. Agamben 2013).

Based on these premises, issue 12 of Revista de História da Arte aims at creating a space for problematizing the concept of “crisis” within Art History and artistic production – including Architecture, Dance, Theatre and Cinema – but also in their interaction with other areas of the Social Sciences and Humanities.

To this end, we invite the submission of article proposals exploring the subject within a variety of geographical and cultural contexts, based on, but not limited to, any of the following approaches.

a) Problematizing the concept of “crisis” and its genealogies
b) “Crisis” as builder of new models and paradigms
c) Disciplinary crises in Art History
d) Crises in Discourses / Narratives
e) Crisis: Modernism(s) / Post-Modernism
f) Crisis and heterodoxy (including the crisis of artistic categories / crisis of the autonomy of art)
g) Traditions and historical legacies / Modernisms and Avant-gardes: creative conflicts and the notion of novelty.
h) The impact of the current crisis and its problematization in contemporary artistic practices.
i) Culture and Art as “arms of resistance” against the crisis.
j) Culture crisis / Education crisis

Original abstracts should be maximum 300 words in length and clearly indicate the author’s name, institutional affiliation, e-mail address and brief biographical note. Abstracts should be sent in Portuguese, English or French to RHAcrisis@gmail.com by June 20th 2014.

Papers selected based on original abstracts will need to be sent by October 15th 2014, when they will be submitted to a peer-review process. Articles should be maximum 5000 words in length and follow the editorial guidelines available on:
http://institutodehistoriadaarte.files.wordpress.com/2013/06/normas-de-redac3a7c3a3o.pdf

Scientific coordination:
Margarida Brito Alves is Assistant Professor in the Department of Art History, FCSH, and a researcher at IHA, where she is in charge of the Research Group on Contemporary Art Studies.
Giulia Lamoni is a post-doctoral researcher at IHA where she coordinates the Research Line on Transnational Perspectives on Contemporary Art: Identities and Representation.
Katherine Sirois is a PhD candidate in Art History and Aesthetics in Paris (Panthéon-Sorbonne) and Lisbon (FCSH), as well as being an IHA researcher with an FCT fellowship.

Colloque en hommage à Fernando Gil : « Logiques de la forme » (les 11 et 12 avril)

Les 11 et 12 avril prochains se tiendra un colloque en hommage à Fernando Gil, organisé avec la Fondation Calouste Gulbenkian Paris, l’Université Paris 8 (LLCP), l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne (École Doctorale de philosophie), en collaboration avec l’Université Nouvelle de Lisbonne et de l’Institut de Philosophie de l’Université de Porto (Portugal).

Logiques de la forme.programme
Personnalité intellectuelle engagée, figure de l’histoire portugaise récente, directeur d’études à l’École des hautes études en sciences sociales et professeur à l’Université Nouvelle de Lisbonne, Fernando Gil (1937-2006) a construit l’une des philosophies contemporaines les plus originales de son époque, dont le noyau est une réflexion sur l’intelligible et l’intelligibilité. De Preuves au Traité de l’évidence et à La Conviction, pour nommer les trois ouvrages les plus connus du public français, Fernando Gil aura interrogé les conditions d’intelligibilité qui permettent de constituer des objets et de décrire les activités du connaitre et du sentir, questionnant ainsi le sentiment, la croyance, la conviction, qui sont au cœur de la connaissance objective. Cette recherche vise à saisir ce qui tient ensemble l’exigence de certitude, la satisfaction de l’esprit et la constitution d’un réel, le bonheur de la connaissance et la beauté du monde. Qu’est-ce que comprendre ? Que comprenons-nous des formes et des phénomènes ? Comment des formes peuvent-elles venir au jour, être produites ou être saisies ?
Le colloque « Logiques de la forme » se donne pour tâche d’examiner les concepts fondamentaux de sa pensée, tels que ceux de vérité, d’évidence, d’hallucination, de preuve, de souveraineté, et d’expression, à la lumière de la notion de forme, de la genèse des formes, de leur efficace et de leur transformation. Les interventions prévues tenteront de restituer la richesse d’une œuvre qui a su se nourrir de l’histoire de la philosophie, des sciences et des arts, qui s’est affrontée aux pensées contemporaines et a su nouer philosophie et sciences sociales.

 

PROGRAMME
Vendredi 11 avril
Auditorium, Fondation Calouste Gulbenkian, délégation en France, Centre Calouste Gulbenkian, 39 boulevard de La Tour-Maubourg, 75007 Paris

9h30 – 9h45 : Présentation par João Caraça (Directeur de la délégation en France de la Fondation Calouste Gulbenkian), Diogo Sardinha (Président de l’Assemblée collégiale du Collège international de philosophie), et les organisateurs.

Présidence de séance : Diogo Sardinha

9h45 – 10h30 : Adelino Cardoso (Université Nouvelle de Lisbonne) : Forme et expression dans la philosophie de Fernando Gil

10h30 – 11h15 : Lara Bonneau (Université Paris 1-Sorbonne) : Approche de la question de la forme à partir d’A. Warburg et F. Gil.

11h30 – 12h15 : Olivier Capparos (Université Paris 8-St Denis) : Logiques de la forme : approches de l’intelligibilité expressive

Présidence de séance : Françoise Balibar

14h00 – 14h45 : Natalie Depraz (Université de Rouen) : Autour des notions d’attention et de force de présence

14h45 – 15h30 : Sofia Araújo : Fernando Gil’s Theory of Expression

15h45 – 16h30 : Nuno Miguel Proença (Université Nouvelle de Lisbonne) : Logique de l’assentiment et formes de la preuve en psychanalyse

16h30 – 17h15 : Manuel Silvério Marques (Université Nouvelle de Lisbonne) : Organisme, système et sujet en Médecine : mes consultations giliennes

Samedi 12 avril
Salle Jean Cavaillès, Université Paris 1-Sorbonne, 17 rue de la Sorbonne, 75005 Paris

9h30 : Présentation par Danièle Cohn (Université Paris 1-Sorbonne)

Présidence de séance : Danièle Cohn

9h45 – 10h30 : Paulo Tunhas (Université de Porto) : Le bonheur de l’expression et les formes sonores

10h30 – 11h15 : Antonia Soulez (Université Paris 8-St Denis) : Formes ou objet de représentation ?

11h30 – 12h15 : Eric Beauron (Université Paris 1-Sorbonne) : Forme, affinité, système : Gil avec Kant (une interprétation de l’Architectonique de la raison pure)

Président de séance : Paulo Tunhas

14h00 – 14h45 : Jean-Baptiste Rauzy (Université Paris 4-Sorbonne) : Théorie de la preuve, théorie de l’objet – preuve et adhésion dans les inférences logiques

14h45 – 15h30 : Carlos Lobo (Collège international de philosophie) : Renforcement de l’évidence et modalisation de la croyance chez F. Gil et Husserl

15h45 – 16h30 : Maria Filomena Molder (Université Nouvelle de Lisbonne) : Vis superba formae

16h30 – 17h15 : José Gil (Université Nouvelle de Lisbonne) : Vers l’ontologie ?

Clôture du colloque